Photographe de formation,galeriste, agent de photographe, Nathalie Casabo-Emprin a mis son énergie et sa passion au service des artistes et de la photographie.
 
A l'origine de la découverte de nombreux photographes, elle fonde son agence-galerie NCE Photographie Contemporaine en 1995. Elle y défend les intérêts de jeunes artistes (Bourguedieu, Géraud,...) d'artistes étrangers (Minkinnen, Puranen,...), d'artistes reconnus (Boubat, Clergue, Dieuzaide), ou d'artistes considérés comme subversifs (Carthaix, Hédan, Van Dinther,...). Sa collection de photographies est en dépôt au musée Nicéphore Niépce depuis 2017. Après une étude minutieuse du fonds, le musée accueille Nathalie Casbo-Emprin pour un accrochage original, rétrospective des expositions qu'elle a réalisées et des coups de cœur qui ont  jalonné son parcours.
 
L'exposition rend compte de la diversité des approches artistiques offertes par le médium et du rôle essentiel joué par les galeries dans les années 1970-1990, alors que les musées de la photographie n'en étaient qu'à leur balbutiements.

En partenariat avec le Festival "Chefs Op’ en Lumière" à Chalon-sur-Saône, le musée présente une sélection de travaux photographiques personnels réalisés par douze membres de l’Association Française des directeurs de la photographie : Gertrude Baillot, Céline Bozon, Sébastien Buchmann, Rémy Chevrin, Jean-Marie Dreujou, Denis Lenoir, Laurent Machuel, Pascale Marin, Claire Mathon, David Nissen, Pierre Novion et David Quesemand.

Faut-il le rappeler, le cinéma est l’émanation de la photographie. Il a fallu d’abord décomposer le mouvement en images fixes, puis trouver le moyen de faire défiler ces images au rythme de 24 par secondes pour les animer.

Réalisateur, acteurs, mais aussi techniciens, ingénieurs son, décorateurs, costumiers et chef opérateurs, en anglais cinematographer, tous participent aux effets narratifs.
Quand la caméra est éteinte et l’équipe de tournage au repos, certains de ces « cinematographer » retournent à l’image fixe. Ils continuent de cadrer, de regarder le monde à travers un viseur. Ils continuent d’observer, d’attraper les couleurs, de capter les ambiances et les émotions. Certains commencent de nouvelles histoires, plus intimes, plus solitaires, mais toujours écrites avec la lumière. Des histoires amorcées, en images, comme des « photogrammes de films qui n’existent pas » (Pascale Marin).

Maxime Laguerre interroge dans son travail le métissage, la notion d’afrodescendance. Que signifie aujourd’hui être d'ascendance africaine et comment les représentations et stéréotypes des personnes noires, leur culture, leur visibilité, influent sur leur place dans la société et leur construction identitaire ?
« Ce travail est inspiré de l’œuvre d’Aimé Césaire, « Cahier d’un retour au pays natal », ainsi que par l’esthétique du carnet (tant le carnet de croquis, que de notes ou de voyage).
Pour ce projet, j’ai créé un ensemble d’œuvres assemblées autour d’un travail photographique réalisé en novembre 2021 au Togo. Mon but était de composer de nouvelles images à partir de ces photographies, du fonds iconographique du musée Nicéphore Niepce, de mes archives personnelles ainsi que de fragments de textes issus de différents auteurs afrodescendants.
J’ai souhaité une esthétique au plus proche du carnet de croquis où images, notes et références viennent s’entremêler et mettre en lumière une recherche artistique, tant plastique que théorique, autour des notions de Négritude, de Panafricanisme et de Mondialité afin de constituer un ensemble plastique qui saurait traduire au mieux ma découverte du continent africain. L’association de documents vient dialoguer et tisser une relation entre mon travail photographique et les œuvres constitutives de mon accomplissement en tant qu’artiste afrodescendant.
L’ensemble des portraits et de paysages a été réalisé entre les villes de Lomé et Kpalimé. Ce voyage fut mon premier contact avec le territoire africain. Ainsi, après plusieurs mois de gestation, il m’est apparu que la meilleure manière de donner du relief à cette expérience photographique soit de mettre mon travail en lien avec une iconographie précise, ainsi qu’avec les textes fondateurs de ma constitution en tant qu’Être créole, en tant qu’Être du «Tout-monde».

Ce travail a été élu Prix Impression Photographique des Ateliers Vortex (Dijon) et du musée Nicéphore Niépce, avec le soutien de la Région Bourgogne-Franche-Comté.

Membre du collectif Tendance Floue, prix Niépce en 2007, Bertrand Meunier est le parfait représentant de cette photographie documentaire française au regard décalé, attachée à la photographie argentique, pour qui le médium est un outil de compréhension du monde avant d'être une technique d'enregistrement.
Bertrand Meunier a confié son fonds photographique au musée en 2020 et a invité l'institution chalonnaise à revisiter avec lui ses archives.
L'exposition Erased propose en quelque 80 tirages argentiques, vidéos, coupures de presse, un regard renouvelé sur le travail au longs cours, mené par le photographe en chine de 1999 à 2019. Bertrand Meunier a, par des séjours réguliers, su saisir les transformations de la Chine, de l'intégration de cette dernière à l'Organisation Mondiale du Commerce (2001) aux manifestations à Hong-Kong de 2019-2020, avant que l'épidémie de COVID ne ferme le pays aux étrangers.
Un texte du journaliste Pierre Haski accompagnera ce travail dans un livre aux éditions EXB, et servira de fil conducteur à la scénographie de l'exposition.

Kate Barry [1967-2013] débute sa carrière de photographe en 1996. Les commandes pour la mode et les magazines font sa renommée et son œuvre participe de la construction de l'imaginaire d'une époque [campagne mère-fille pour Comptoir des Cotonniers, portraits d'actrices lors de la sortie du film Huit Femmes d'Ozon, etc.].

Malgré les contraintes des commandes, la photographe impose son regard, ce qi l'autorise à développer des projets plus personnels. Celui consacré aux salariés du marché international de Rungis [2009] fera date, mais son œuvre autour du paysage est celle où elle exprime le mieux sa sensibilité. Á l'opposé du clinquant des magazines et de la médiatisation de sa famille [elle est la fille de John Barry et de Jane Birkin], Kate Barry y propose des atmosphères dépouillées, faites de poésie et de subtilité, à la fois mélancoliques et oppressantes.

En 2021, la famille de Kate Barry a donné au musée l'intégralité de ses négatifs, sa production numérique, ses planches-contacts, et une sélection de tirages Le musée propose au public de découvrir une première exposition de ce travail conservé aujourd'hui au musée.

Le travail de baptiste Rabichon [1987-] est empreint de souvenirs, d’impressions furtives, d’une certaine nostalgie pour les fantasmagories de l’enfance, autant que références à l’histoire de l’art, au cinéma, à la science-fiction, ou encore aux jeux vidéo. Il oscille en permanence entre observationfine, prélèvement du réel et interprétation. Il expérimente et compose ses images par des procédés complexes, à partir de matières premières constituées de prises de vues à la chambre, comme au Smartphone, de peintures ou de dessins.
En utilisant de multiples techniques photographiques – prises de vues et tirages analogiques, film inversible couleur, photogrammes, chimigrammes, photographie numérique, image digitale, - il recrée des univers fictionnels qui nous parlent pourtant du monde dans lequel nous vivons.
Dans son travail, baptiste Rabichon nous met face à notre rapport compulsif et obsessionnel à l’image. Il confronte sa capacité de rendre compte d’une expérience vécue, à celle de s’extraire de la réalité.

L’exposition propose au public de découvrir les derniers travaux de cet artiste prolifique.

Après des études aux Beaux-Arts, Stéphane Lagoutte se tourne vers la photographie documentaire. Depuis le champ du journalisme d’information, aux marges de la société, il s’intéresse principalement à la relation entre l’homme et son environnement. Sa photographie est aujourd’hui multiforme : de la presse aux galeries et aux musées, il navigue entre reportage traditionnel et photographie conceptuelle.
Depuis 10 ans Stéphane Lagoutte documente Beyrouth. En cinq séries, il étudie la succession des strates qui constituent l’histoire contemporaine du Liban. Et si elles semblent se mélanger, les faits ne se répètent jamais tout à fait à l’identique.
Entre mémoire et actualité, le photographe emprunte de nouvelles voies. Surimpressions, agrandissements, détails, de nouvelles formes d’écriture se répondent et se complètent pour rendre compte de la situation du pays.